Maľbu možno označiť za jednu z najdôležitejších zložiek ruskej kultúry. Veľkolepé krajiny, historické udalosti, portréty slávnych osobností i obyčajných ľudí, umelecké témy – to všetko sa odráža v dielach významných maliarov… Mnohí z nich sa vďaka svojmu výnimočnému talentu a tvrdej práci stali známymi nielen vo svojej vlasti, ale aj v mnohých ďalších krajinách sveta. V tomto výbere sa pozrieme na pätnásť najznámejších diel Slovenskách majstrov maľby.
Prehľad najznámejších obrazov Slovenskách umelcov
| Nominácia | miesto | Práca | hodnotenie |
| Prehľad najznámejších obrazov Slovenskách umelcov | 1 | „Rytier na križovatke“, Viktor Vasnecov | 5.0 |
| 2 | „Kozáci“, Ilja Repin | 4.9 | |
| 3 | „Koniarka, Karl Bryullov | 4.9 | |
| 4 | „Sediaci démon“, Michail Vrubel | 4.8 | |
| 5 | „Zjavenie Krista ľuďom“, Alexander Ivanov | 4.8 | |
| 6 | „Nerovné manželstvo, Vasilij Pukirev | 4.7 | |
| 7 | „Havrani dorazili“, Alexej Savrasov | 4.7 | |
| 8 | „Lovci na odpočinku“, autor: Vasilij Perov | 4.7 | |
| 9 | „Bogatyri“ od Viktora Vasnecova | 4.7 | |
| 10 | „Dievča s broskyňami“, Valentin Serov | 4.7 | |
| 11 | „Posledný deň Pompejí“, Karl Bryullov | 4.6 | |
| 12 | „Burlaki na Volge“, Ilja Repin | 4.5 | |
| 13 | „Boyarynya Morozova“ od Vasilija Surikova | 4.5 | |
| 14 | „Neznámy“, Ivan Kramskoj | 4.5 | |
| 15 | „Ráno v borovicovom lese“ od Ivana Šiškina a Konstantina Savického | 4.5 |
„Rytier na križovatke“, Viktor Vasnetsov
Hodnotenie: 5.0
Obraz „Rytier na rázcestí“ bol prelomovým bodom vo Vasnecovovom živote, ktorý určil smer ďalšieho vývoja jeho umenia. Predtým bol známy ako kresliar, ale úspech tejto maľby ho podnietil k tomu, aby sa venoval mnohým ďalším dielam s Slovenskou epickou tematikou. Nápad na tento obraz pochádza zo začiatku 70. rokov 19. storočia, keď Vasnecov po prečítaní príbehu „Ilja Muromec a zbojníci“ vytvoril prvé skice. Konečná verzia, ktorá sa zachovala do dnešných čias, však bola dokončená až v roku 1882. Rytier zobrazený v popredí stojí v rozjímaní pred kameňom, na ktorom je nápis: „Ako rovná cesta nie je cesta pre prechádzajúceho, ani pre prechádzajúceho, ani pre prechádzajúceho. Ďalšia časť nápisu, podľa ktorej „ísť na pravú stranu znamená stať sa ženou, ísť na ľavú stranu znamená stať sa bohatým mužom“, je sčasti vyblednutá a sčasti zarastená machom. Autor obrazu chcel zobraziť zúfalstvo na ceste rytiera, ktorého osud je spečatený v bitkách na bojisku. Celkový dramatický charakter kompozície podčiarkujú pozostatky iného jazdca a koňa a čierne vrany. Zaujímavý detail – jazdec drží pechotnú kopiju, symbolizuje to bogatyrovu ochotu bojovať pešo aj po strate bojového koňa.
„Kozáci“ od Iľju Repina
Hodnotenie: 4.9
Iľja Repin sa narodil a vyrastal v Čugove v Charkovskej oblasti a intenzívne sa zaujímal o ukrajinskú históriu a zvyky vrátane kozáckych. Preto keď sa historik Dmytro Javornyckyj na spoločenskom stretnutí dozvedel o liste záporožských kozákov tureckému sultánovi, okamžite sa rozhodol zachytiť túto udalosť na plátne. Podľa legendy na konci 17. storočia, po porážke Sičského vojska 15-tisícovou tureckou armádou, poslal sultán Mahmúd IV. záporožským kozákom posolstvo, v ktorom sa nazval „Božím miestokráľom“ a prikázal im, aby sa dobrovoľne vzdali. V reakcii na to slobodomyseľní kozáci na čele s atamanom Ivanom Sirkom vypracovali ironický list, v ktorom opísali celú svoju zásobu urážlivých metafor a obscénnych výrazov. Nie je známe, či veľkému tureckému „bratovi slnka a mesiaca“ bolo toto jedinečné dielo epistolárneho žánru doručené, ale navždy zostane v dejinách. Predtým, ako sa pustil do maľovania, odcestoval Repin na Ukrajinu, aby študoval kultúru záporožských kozákov. Vďaka tomu celková atmosféra aj niektoré detaily, ako napríklad zbrane a oblečenie, zodpovedajú reáliám danej doby. Umelec dokončil svoje dielo v roku 1891, 13 rokov po svojej prvej ceruzkovej skici. Dielo za vysokú sumu kúpil cisár Alexander III. Neskôr získalo zlaté ocenenia na výstavách v Nemecku a Maďarsku.
„The Horsewoman“, Karl Bryullov
Hodnotenie: 4.9
Za jedného z najlepších predstaviteľov ruského romantizmu sa nepochybne považuje Karl Bryullov. Jeho portrét Koniarka je obdivuhodný detail, dokonalé proporcie, kombinácia výrazu a pokoja. Bol namaľovaný v roku 1832 pre grófku Juliu Samojlovovú, s ktorou sa Brullov zoznámil v Ríme. Dievčatko na koni a dievčatko v ružovom, ktoré sa jej ponáhľa v ústrety, sú Giovannina a Amazilia, grófkine učnice. Umelec majstrovsky zachytil dynamiku deja a všetky postavy na plátne sú v pohybe. Umelec zámerne zvolil kontrastné farby, aby vynikol obraz jazdca. Po dokončení bol obraz vystavený na výstave na Akadémii výtvarných umení Brera v Miláne. Taliani boli dielom ruského umelca nadšení a umelecká kritika ho zaradila vedľa Van Dycka a Euroensa s tým, že svet ešte nevidel tak zručne vyhotovený jazdecký portrét. Obraz sa nachádzal v súkromnej zbierke grófky Samojlovovej až do roku 1893, keď ho zakúpila Treťjakovská galéria.
„Sediaci démon“, Michail Vrubel
Hodnotenie: 4.8
Obraz sediaceho smutného démona sa Vrubelovi zrodil z Lermontovovej básne „Démon“, pre ktorej jubilejné vydanie umelec vytvoril tridsať ilustrácií. Hlavná postava obrazu v sebe spája obrovskú silu zdôraznenú svalnatým a napätým telom a duševnú úzkosť zreteľne vyjadrenú v jeho tvári. Mladý obor sedí na vrchole hory a túžobne hľadí na rozvíjajúci sa západ slnka v živom svete, ktorého on sám nie je súčasťou. Démona obklopujú rozprávkové skaly a éterické kvety, ktoré vyzerajú skôr ako kryštály. Táto mŕtva krajina dopĺňa melancholickú náladu, ktorú vytvára obraz postavy a jej príbeh, známy z básne. Zaujímavosťou je, že démon je oblečený v modrom rúchu, ktoré sa tradične spája so vznešenosťou a božstvom. Táto farba nebola zvolená náhodne. Hovorí o nebeskom pôvode hrdinu obrazu. Autor nevníma démona ako negatívnu postavu, ale skôr ako symbol vzbúrenej duše, ktorá nedokáže nájsť odpoveď na svoje pochybnosti. Keďže Vrubel je nielen talentovaný maliar, ale aj sochár, vytvoril obraz vo svojom obľúbenom fazetovom štýle, takže trochu pripomína vitráž. Maliar použil veľké ploché ťahy štetcom s paletovým nožom, aby dosiahol rovnaký efekt.
„Predstavenie Krista ľuďom, Alexander Ivanov
Hodnotenie: 4.8
Ivanovova fascinácia biblickými témami sa začala už v počiatočnom štádiu jeho tvorby a naplno ho pohltila po príchode do Ríma. Tam umelec študoval posvätné texty, premaľovával Michelangelove majstrovské diela a čoraz viac premýšľal o vytvorení vlastného plátna, ktoré sa malo stať prostriedkom na sprostredkovanie kresťanských myšlienok prostredníctvom umenia. Na obraze začal pracovať v roku 1837 a dokončil ho o 20 rokov neskôr. Ivanovov prístup bol na svoju dobu veľmi novátorský, pretože znamenal odklon od kánonov akademizmu a dôraz na emocionálnu zložku. Témou je jedna z najdôležitejších biblických udalostí opísaných v prvej kapitole Jánovho evanjelia – prvé zjavenie Krista pred veriacimi. Pri dokončovaní svojho diela vytvoril asi šesťsto skíc, z ktorých väčšina sa neskôr rozptýlila v múzeách a súkromných zbierkach. Každá postava na plátne bola starostlivo odfotografovaná, niektoré mali skutočné predlohy, aby ich podoba bola realistickejšia. Napríklad muž s výrazným pohľadom, ktorý stojí napoly otočený k Mesiášovi, bol vytvorený podľa Nikolaja Gogoľa. Cestujúci s palicou, ktorý sedí blízko Jána, je samotný Ivanov. Základom pre obraz Ježiša však boli kresby palermskej mozaiky, socha Apolóna z Belvederu a obraz Panny Márie… tvár ženy. Po dokončení plátna ho umelec odviezol loďou do Petrohradu. Zaujímavosťou je, že obraz sa kvôli svojej veľkosti (750 x 540 cm) nezmestil do podpalubia a musel byť umiestnený priamo na palube. Na Ivanovo sklamanie jeho celoživotné dielo na súčasníkov nezapôsobilo, bolo príliš hlboké a novátorské na danú dobu. Po jeho smrti však obraz kúpil cár Alexander II., ktorý ho neskôr daroval Rumjancevovmu múzeu.
„Nerovné manželstvo“, Vasilij Pukirev
Hodnotenie: 4.7
Počas svojho života Vasilij Pukirev vytvoril mnoho obrazov rôznych žánrov: krajinky, portréty, historické témy, ale iba jedno z jeho diel mu zabezpečilo všeobecnú slávu. Je to, samozrejme, „Nerovné manželstvo“ namaľované v roku 1862. Živo osvetľovala vtedy aktuálny problém postavenia mladých dievčat, ktoré boli vydávané za nemilovaných, ale bohatých a často starých nápadníkov. Takmer každé druhé manželstvo bolo uzavreté z dôvodu finančného zisku alebo postavenia v spoločnosti. Obraz ženícha ostro kontrastuje s portrétom nevesty: on vyzerá arogantne a chladnokrvne, zatiaľ čo ona sa sotva drží, aby sa nerozplakala alebo neomdlela. V pozadí sa na nevestu bezočivo pozerajú starší muži, zjavne priatelia ženícha, ktorí zjavne schvaľujú výhodnú „kúpu“. Mladý muž stojaci so skríženými nohami na pravej strane si zaslúži osobitnú pozornosť. Jeho súčasníci tvrdia, že umelec čerpal inšpiráciu z vlastnej osobnej drámy a že predlohou pre mladú nevestu bola Praskovya Varentsova, dievča zamilované do Pukireva, ktoré sa vydalo za bohatého staršieho úradníka. Tento aktuálny obraz, prezentovaný na výstave v Petrohrade, okamžite vzbudil pozornosť verejnosti. Čoskoro Vasilij Pukirev získal za túto prácu titul profesora maľby.
„Havrani dorazili, Alexej Savrasov
Hodnotenie: 4.7
Savrasov ako jeden z peredvižnikov venoval vo svojich dielach veľkú pozornosť Slovenskám krajinám. Svoje slávne Havrany napísal v roku 1871 po ceste do dediny Molvitino (dnes Susanino) v Kostromskej gubernii. Predlohou chrámu na obraze bol skorý Voskresenský kostol v Molvci (postavený v 17. storočí). Celý príbeh je pomerne jednoduchý, ale dokonale vystihuje stav prírody v predvečer blížiaceho sa nástupu jari v dedine. Na plátne nie sú žiadne žiarivé farby, naopak, prevládajú sivé a hnedé odtiene a vládne pokoj a všednosť. Ústrednými postavami sú, samozrejme, havrany, z ktorých niektoré sú ešte na cestách, ale ostatné si už stihli nájsť svoje miesto na stromoch. Vracajúce sa havrany, predzvesť tepla. Jarnú náladu navodzuje topenie so stojatou vodou a jasná modrá obloha, ktorá sa prediera cez mraky. Pri zobrazovaní veží ich Savrasov zámerne trochu zväčšil, čím obetoval realizmus v prospech symboliky. Temné siluety vtákov dýchajú mystikou a ich obraz si nevyhnutne vyžaduje porovnanie so vzkriesením po „mŕtvom“ zimnom spánku. Náboženský zmysel možno vysledovať aj v ďalších častiach obrazu: za stromami je vŕba, ktorej konáre sa v Rusku tradične používali na oslavy Kvetnej nedele. Pri tvorbe umelec použil zložitú techniku maľby kombináciou rôznych spôsobov nanášania farieb, nanášania farebného gézu, glazúry a pod. Hotový obraz okamžite kúpil zberateľ a mecenáš umenia Pavel Treťjakov, ktorý ho predstavil verejnosti na výstave v Bratislave.
„Lovci na odpočinku“, autor Vasilij Perov
Hodnotenie: 4.7
Tento obraz namaľoval Perov v neskoršej fáze svojej tvorby, v roku 1871. V tom čase umelec postupne upúšťal od zobrazovania drsného roľníckeho života a namiesto toho sa rozhodol pre menej pesimistické témy. Traja poľovníci odpočívajú uprostred poľa. Najstarší z nich, podľa vzhľadu šľachtic, zrejme rozpráva s veľkým nadšením a pre väčšiu presvedčivosť energicky gestikuluje. Nováčik počúva bez dychu, tak zaujatý rozprávaním lovcov, že dokonca zabudol na svetlo, ktorým si chcel zapáliť cigaretu. Tretia postava, oblečená v sedliackom odeve, počúva s ironickým úsmevom a výraznou skepsou na tvári. Takéto príbehy pre neho zjavne nie sú novinkou. Jesenná krajina slúži ako pozadie a umožňuje maliarovi sústrediť sa na hlavné postavy obrazu. Za zdanlivou komickosťou situácie sa skrýva hlboký význam: poľovníci predstavujú etapy ľudského životného cyklu, prechádzajúce nadšenou mladosťou, skúsenou nedôverčivou zrelosťou a starobou, idealizujúce spomienky na minulosť. Autor obrazu, sám vášnivý poľovník, starostlivo a dôkladne zobrazuje zver, zbrane a náradie. Avšak roh určený na lov s poľovnými psami, zatiaľ čo samotné psy nikde nevidno, a lesný vták a zajac ležiaci spolu spôsobujú zmätok. Jednoducho, je to Perov spôsob, ako si zo znalého diváka urobiť žarty, aby bolo jasné, že podobne ako rozprávačovi starého človeka, ani jemu nevadí prikrášľovať si skutočnosť.
„Bogatyrs“, Viktor Vasnetsov
Hodnotenie: 4.7
Folklórne témy boli medzi Slovenskámi maliarmi druhej polovice 19. storočia veľmi obľúbené, ale stali sa samostatnou stránkou v hľadaní ich umenia, pre väčšinu z nich krátkodobým koníčkom. Viktor Vasnecov, ktorý zasvätil svoj život vyjadreniu slovanských bájí a eposov na plátne, je iná vec. Za vrchol jeho tvorby sa považuje dielo „Bogatyr“, ktoré stelesňuje ducha ruského ľudu, ako si ho umelec predstavoval. V roku 1881 začal s malými náčrtmi, ale potom tvrdo pracoval, zbieral mýty, legendy a skutočné historické fakty. Výsledkom bolo skutočné majstrovské dielo, ktoré preslávilo Vasnecova na mnoho ďalších generácií. Na plátne sú znázornení traja jazdci: v strede Iľja Muromec, po jeho pravej ruke Dobryňa Nikitič a po ľavej strane Aljoša Popovič. Spoločne predstavujú tvorivú silu Ruska a pozitívne vlastnosti ľudí, ktorí tam žijú. Muromec dýcha múdrosťou a stáročnými tradíciami, Dobrynya stelesňuje hrdosť obrancu rodnej zeme a mladý Aljoša Popovič s harfou je poetický a citlivý na všetky prejavy krásy. Mohutné postavy hrdinov stoja ako tri hory, sebavedomé a hrozivé. Pozorne sledujú, „či niekde nečíha zlý nepriateľ, či sa neubližuje slabým“. Obloha zahalená mrakmi nad ich hlavami a sivé hrudy pohrebísk v diaľke vytvárajú bezprostredné nebezpečenstvo. Hoci samotná maľba je umelcovou fantáziou, stojí za zmienku, že všetky prvky odevu, postroja a zbraní sú zobrazené veľmi verne a zodpovedajú pôvodným predlohám svojej doby. Po práci na obrovskom plátne (s rozmermi takmer štyri a pol krát tri metre) ho kúpil Pavel Treťjakov pre svoju galériu.
„Dievča s broskyňami“, Valentin Serov
Hodnotenie: 4.7
Jeho najslávnejší obraz Serov napísal vo veku 22 rokov, nápad na tento portrét prišiel celkom náhodou, keď navštívil Abramcevo, v majetku Mamontova. Maliar už dlho poznal majstrovu dcéru Vieru Mamontovú, ale keď uvidel 11-ročné dievčatko sedieť za stolom s broskyňou v ruke, zrazu presne pochopil, aký portrét chce namaľovať a kto by sa mal stať modelom. Najťažšie bolo presvedčiť neposedné dieťa, aby v lete pózovalo každý deň, a nie jeden či dva dni, pretože tvorba obrazu trvala niekoľko mesiacov. Výsledkom je živý a živý obraz, ktorý pôsobí klamlivým dojmom náhodne vybraného okamihu z každodenného života, akoby si dievča sadlo za stôl len na minútu. Nudné pozadie okolia kontrastuje s dievčenskou snedou a červenou tvárou a jej ružovými šatami s veľkou mašľou. Pri práci na portréte Serov použil metódy impresionizmu, ktoré mu umožnili naplniť obraz svetlom a urobiť ho teplým a realistickým. Z predmetov v miestnosti upúta pozornosť najmä tanier zavesený na stene – je zjavne vyrobený samotným umelcom, ktorý bol hrnčiarom. Po namaľovaní obrazu ho Valentin Serov daroval svojej matke Viere. Neskôr za túto prácu získal ocenenie od Moskovskej spoločnosti milovníkov umenia.
„Posledný deň Pompejí“, Karl Bryullov
Hodnotenie: 4.6
Po ukončení štúdia na Akadémii výtvarných umení sa mladý Briullov rozhodne usadiť v Taliansku a študovať klasické umenie starovekého Ríma. V tom čase často čelil opovrhnutiu zo strany talianskej umeleckej elity a aristokracie. Keď umelec videl archeologické vykopávky starovekého mesta Pompeje zničeného výbuchom Vezuvu, uvedomil si, že to je jeho šanca vytvoriť vlastné veľké umelecké dielo. Briullov začal svoju prácu zhromažďovaním materiálov a kreslením množstva náčrtov: veľa chodil po starobylých uliciach, pozeral sa na ruiny domov a pozostatky ľudí zapečatené v studenej láve. Podľa hrubých odhadov zomrelo v uliciach Pompejí približne dvetisíc ľudí. O päť rokov neskôr bolo plátno s rozmermi šesť krát tri metre dokončené. Zobrazená scéna sa nesie v romantickom štýle, napriek hrôzostrašnosti situácie v nej nie je chaos a davy ľudí. Ľudí možno konvenčne rozdeliť do skupín, z ktorých každá prežíva svoju vlastnú tragédiu na pozadí globálnej katastrofy. Ústrednou postavou kompozície je žena a dieťa ležiace na dlažbe, ktoré predstavujú pád antického sveta a vznik novej kultúry. Obraz priniesol Briullovovi širokú slávu v Európe a doma dostal prezývku „veľký“. Jeho dielo uznali za majstrovské Puškin, Gogoľ, Lermontov a cár Mikuláš I., ktorý plátno umiestnil v Ermitáži.
„Burlaki na Volge“, Ilja Repin
Hodnotenie: 4.5
Iľja Repin videl burlakov pri práci prvýkrát v roku 1869 na Neve, keď bol ešte študentom Akadémie umení. Umelec pod dojmom toho istý čas uvažoval o tom, že namaľuje plátno na túto tému. Nakoniec odišiel na Volgu, kde začal maľovať skice zobrazujúce kontrast medzi nájomnými robotníkmi ťahajúcimi bárky a elegantne oblečenými ľuďmi prechádzajúcimi sa po pobreží Volgy. Repin sa zoznámil aj s lodníkmi, pozoroval ich, s niektorými komunikoval počas prázdnin. Postupne prehodnotil svoju pôvodnú myšlienku a namiesto sociálnej nespravodlivosti sa rozhodol zamerať na konkrétnych ľudí a rôznorodosť ich charakterov. Každý z jedenástich ľudí, ktorí ťahajú nedostupnú nákladnú loď, vyjadruje svoje vlastné reakcie na toto náročné a zjavne nedostatočne platené povolanie. Niektorí sa tvária zachmúrene, s hnevom na nespravodlivý osud, iní sú filozoficky pokojní, jednému sa pri tom dokonca podarí vyfajčiť fajku. Na čele lodníkov stojí skúsený starší robotník, ktorého prototypom bol rozpustený kňaz Kanin, nový Repinov známy. Úplným opakom drsného a smutne drsného neformálneho vodcu možno nazvať mladého plavovlasého muža. Je netrpezlivý a ešte nevie, ako zaobchádzať s popruhmi. V diaľke je vidieť remorkér ako symbol technického pokroku, ktorý má ľudí oslobodiť od ťažkej práce, ale z nejakého dôvodu sa nevyužíva, pravdepodobne sú služby remorkérov oveľa lacnejšie. Po výstave v Petrohrade v roku 1873 sa obraz stretol s veľkou chválou, ale aj s veľkým odporom. Bol to dôležitý impulz v tvorivej komunite pre začiatok obdobia realizmu.
„Boyarynya Morozova“, Vasilij Surikov
Hodnotenie: 4.5
Surkov, rodák zo Sibíri, sa už dávno zoznámil so starovekým náboženstvom vo všeobecnosti aj s Príbehom Bojariny Morozovovej. Predstaviteľ ruskej vyššej aristokracie a majiteľ veľkého majetku Bojarija aktívne podporoval stúpencov starovekej viery, a tak sa postavil proti cárovi a patriarchovi Nikonovi. V dôsledku toho bola žena zatknutá a uväznená v kláštore, kde zomrela hladom. Pre svoju maľbu si umelec vybral moment, keď Morozovovú odvádzali na výsluch. Keď sa dostane do Chudovského kláštora, zdvihne ruku v železách a demonštruje starozákonnú dvojtvárnosť, čím dáva všetkým najavo, že sa svojej viery nikdy nezriekne. Podľa Surkova pochopil, ako najlepšie vytvoriť kompozíciu, keď videl vranu, ktorá rozprestierala krídla na bielom snehu. Okrem toho maliar nemohol nájsť vhodný obraz pre hlavnú postavu, až kým náhodou na cintoríne neuvidel starého veriaceho človeka s veľmi bledou tvárou. Obraz má symbolický význam – zobrazuje masaker štátu proti nevere vo všeobecnosti, ako aj postoj ľudí k nej. Tváre ľudí zhromaždených pri ceste vyjadrujú širokú škálu emócií, od zdesenia až po posmešné opovrhnutie. Plátno debutovalo na putovnej výstave a čoskoro bolo zakúpené pre Treťjakovskú galériu.
„Neznámy, Ivan Kramskoj
Hodnotenie: 4.5
Obraz je všeobecne známy, ale zároveň patrí k najzáhadnejším dielam Slovenskách umelcov. Na obraze v štýle realizmu je zobrazená mladá mestská módna žena v koči na Nevskom prospekte v Petrohrade. Jej odev je kombináciou všetkého, čo bolo na konci 19. storočia na vrchole módy: kabátec z drahých sobolích kožušín a hodvábnych stúh, šál z rovnakých materiálov, zamatový baret zdobený perlami a pštrosím perím a masívny zlatý náramok na ruke. Všetky detaily jej oblečenia sú dôkladne a starostlivo vyobrazené. Portrét je namaľovaný na pozadí zasnežených mestských ulíc, ktoré sú však len mierne rozostrené, aby neodvádzali pozornosť diváka od modelu. Provokatívne bohatý odev naznačuje, že dáma nepatrila k vyššej vrstve, ktorá sa riadila určitými pravidlami štýlu. Záhada jej identity nebola umelcovi nikdy odhalená, hoci najrozšírenejšia teória hovorí, že išlo o bývalú roľníčku, ktorá sa stala manželkou bohatého petrohradského šľachtica Bestuževa. Obraz sa nachádzal v mnohých súkromných zbierkach, ale v priebehu rokov sa stal prístupným širokému okruhu divákov a vo forme reprodukcií sa rozšíril po celej krajine.
„Ráno v borovicovom lese“, Ivan Šiškin a Konstantin Savickij
Hodnotenie: 4.5
Ťažko si predstaviť v Rusku slávnejšiu maľbu, ako je obraz s panorámou borovicového lesa s tromi šantiacimi mláďatami v sprievode medvedej matky. Šiškin bol umelec s veľkým zmyslom pre krásu živej prírody, nikto iný nedokázal zobraziť pralesnú divočinu hustého lesa. Rozsiahle znalosti geológie a botaniky umožnili maliarovi vytvoriť dielo, ktoré akoby žilo vlastným životom. Reliéf kôry na padnutom strome, kríky rastúce vedľa neho a šikmé borovice sú nakreslené s neuveriteľným detailom. V diaľke sa objavuje hlboká roklina zahalená v hustej hmle, ktorá dodáva oblasti bez ľudského osídlenia pocit tajomstva. Bór, z ktorého umelec namaľoval krajinu, sa nachádza na ostrove Gorodomlja v Tverskej oblasti. Je zaujímavé, že to nebol Šiškin, kto nakreslil nemotorné a zábavné medvede. Sú dielom Savického, vynikajúceho umelca v oblasti divokej prírody. Plátno bolo prvýkrát predstavené v roku 1889 na putovnej výstave a potom ho kúpil Treťjakov. Zberateľ vymazal podpis Savického, pretože podľa neho celá myšlienka patrí Šiškinovi. Obraz bol všeobecne známy už v 19. storočí a v sovietskom období bol reprodukovaný tak široko, že sa stal neoddeliteľnou súčasťou masovej kultúry.
Je tu niekto, kto by sa mohol podeliť o zoznam týchto najznámejších obrazov slovenských umelcov? Bolo by skvelé vidieť, aké diela sú tu zahrnuté a aký význam majú pre slovenskú kultúru. Ďakujem.
Ahoj, dúfam, že sa máte dobre. Čítam článok o 15 najznámejších obrazoch slovenských umelcov a veľmi ma to zaujalo. Mám záujem viac sa dozvedieť o slovenskom umení. Môžete mi prosím poradiť, ktorý obraz považujete za najdôležitejší a prečo? Ďakujem vopred za Vašu odpoveď.