12 najznámejších obrazov Ermitáže

Múzeum Ermitáž, ktoré sa nachádza v Petrohrade, je skutočným palácom umenia, v ktorom sa nachádza mnoho neoceniteľných majstrovských diel. Jedno z piatich a pätnástich najnavštevovanejších múzeí umenia na svete. Ermitáž vytvorila cisárovná Katarína II. ako súkromnú cisársku zbierku a pôvodne bola umiestnená v malej prístavbe. Odtiaľ pochádza aj názov, pretože vo francúzštine ermitáž znamená „miesto samoty“. Zbierka sa v priebehu rokov značne rozrástla a v roku 1852 bola sprístupnená verejnosti. V piatich budovách múzea je vystavených viac ako tri milióny exponátov. Mimoriadne cenná je zbierka obrazov, ktorá obsahuje diela najlepších umelcov z rôznych krajín a období. Tu je dvanásť slávnych obrazov, ktoré môžete vidieť v Ermitáži.

Prehľad najznámejších obrazov Ermitáže

Nominácia	miesto	Práca	hodnotenie
Prehľad najznámejších obrazov v Ermitáži	1	„Apoštoli Peter a Pavol, El Greco	5.0
2	„Madonna Conestabile“, Raphael Santi	4.9
3	„Milovník absintu“, Pablo Picasso	4.8
4	„Návrat márnotratného syna“, Rembrandt Harmens van Rijn	4.7
5	„Žena držiaca plod“, Paul Gauguin	4.7
6	„Kompozícia VI“, Wassily Kandinsky	4.7
7	„Dáma v modrom“, Thomas Gainsborough	4.7
8	„Most Waterloo. Efekt hmly“, Claude Monet	4.6
9	„Portrét herečky Jeanne Samarie, Pierre-Auguste Renoir	4.5
10	„Lutnista“, Michelangelo Merisi da Caravaggio	4.5
11	„Danaë, Titian Vechellio	4.5
12	„Madona z Benoitu“, Leonardo da Vinci	4.5

„Apoštoli Peter a Pavol, El Greco

Hodnotenie: 5.0

Pseudonym El Greco, ktorého skutočné meno je Domenikos Theotokopoulos, má osobitý štýl. Sú zmesou manierizmu a expresionizmu španielskej renesancie. Predpokladá sa, že maliar bol jedným z prvých, ktorí namaľovali apoštolov Pavla a Petra spolu. Obraz zobrazuje kontrastné charaktery a duchovné svety týchto dvoch najvýznamnejších kresťanských postáv. Takýto kontrast umožnil vyjadriť dôležité náboženské otázky tej doby jazykom umenia. Pavol je zobrazený ako silná, rozhodná osoba, jeho ruka panovačne spočíva na Svätom písme, jeho pohľad prezrádza neochvejnú, takmer fanatickú istotu. Peter je naopak stelesnením reflexie a vnútorných pochybností. Tento výklad sa dosť líšil od cirkevných noriem z konca 16. storočia, keď bol obraz namaľovaný, ale celkovo bol v súlade s evanjeliom. Apoštol Peter bol známy svojou nestálosťou, zatiaľ čo Pavol, kedysi zúrivý prenasledovateľ kresťanov, sa neskôr stal rovnako horlivým zástancom kresťanstva.

Rozdielnosť duševného rozpoloženia apoštolov je zdôraznená nielen v ich výraze tváre a postoji, ale aj vo farbe ich tváre. Maliar dal Pavlovi výrazný tmavočervený odev a jeho tvári intenzívnejšiu, živšiu farbu. Ako celok vytvára kompozícia atmosféru exaltovanosti a úzkosti, ktorá je charakteristická pre všetky El Grecove diela.

„Madonna Conestabile“, Raphael Santi

Hodnotenie: 4.9

Ide o jedno z prvých diel slávneho talianskeho renesančného maliara, ktoré namaľoval ako 20-ročný počas pobytu v Perugii. Obraz vznikol na objednávku vojvodu Alfana di Diamante. Madona s dieťaťom“ bola pôvodne len „Madona s dieťaťom“. Jej moderný názov pochádza od jej majiteľa Giovanniho Conestabileho, ktorý obraz zdedil spolu s palácom. Toto majstrovské dielo sa dostalo do Ruska vďaka cárovi Alexandrovi II., ktorý ho kúpil ako dar pre svoju manželku Máriu Alexandrovnu.

Lyrický, ženský obraz matky držiacej v náručí svoje dieťa je zobrazený na pozadí kopcovitej krajiny Umbrie (taliansky región v blízkosti Toskánska). Postava Madony so splývavými líniami a ramenami zakrytými závojom vyzerá ideálne v ráme okrúhleho obrazu. Kompozícia pôsobí veľmi celistvo a harmonicky vďaka spojeniu smeru pohľadu postáv, keď matka aj dieťa hľadia do knihy. Predpokladá sa, že Rafaela inšpirovali spomienky na prírodu jeho rodnej krajiny a na matku, ktorá zomrela mladá.

„Milovník absintu“, Pablo Picasso

Hodnotenie: 4.8

Na začiatku 20. storočia boli vo francúzskom maliarstve veľmi populárne témy neresti a závislosti, najmä absint. Tento mimoriadne silný halucinogénny nápoj sa stal fetišom parížskej bohémy. Okrem toho sa dvadsaťročný umelec nachádzal vo svojom „modrom období“, počas ktorého maľoval prevažne osamelé a opustené témy. Hlavný hrdina obrazu je zobrazený v celej neatraktívnosti človeka, ktorý si zvolil cestu sebazničenia. Sedí v kúte, izolovaná, jej jedinými spoločníkmi sú modrý sifón a pohár so zeleným nápojom. Za ňou visí na stene zrkadlo, v ktorom sa odráža živý vonkajší svet, ale žena dáva prednosť vlastným fantáziám a halucináciám, ktoré vznikajú pod vplyvom opojného alkoholu.

Dramatickosť deja umocňujú pokrivené, príliš dlhé prsty ruky milovníka absintu, ktorými sa objíma, akoby sa snažil ochrániť svoje ilúzie pred realitou. Stuhla v neprirodzenej póze a akoby sa zmenila na neživý predmet, ktorý je dvojčaťom fľaše a pohára stojacich na stole. Táto symbolika je vyjadrená vo farebnej schéme a v podobných obrysoch ženy a absintového prístroja.

„Návrat márnotratného syna“, Rembrandt Harmens van Rijn

Hodnotenie: 4.7

Rembrandt vytvoril veľké množstvo obrazov na biblické témy, ale jedným z najznámejších je príbeh o kajúcom márnotratnom synovi, ktorý sa vracia k otcovi po tom, čo spreneveril všetok majetok. Toto dielo vzniklo v neskorom období umelca, ktorý doň vložil nielen svoje nazbierané skúsenosti, ale aj emócie zo straty syna Tita. Hlavné postavy sú mimo centra, ale sú jemne zvýraznené vo svetle. Je to kľačiaci syn a jeho otec, ktorý sa nad ním skláňa, celý jeho postoj a výraz tváre poukazujú na absolútne odpustenie. Kontrast medzi honosným oblečením rodiny a extrémne ošúchaným odevom chudobného syna je výrazný.

Pozornosť diváka sa v obraze sústreďuje ani nie tak na udalosť, ale na emocionálne prežívanie účastníkov tejto rodinnej drámy. Okrem otca a syna sú na obraze zobrazené ďalšie štyri osoby, ktorých totožnosť zostáva dodnes záhadou. Rembrandtovo dielo inšpirovalo v roku 1967 slávneho britského skladateľa Benjamina Brittena, ktorý ho krátko nato videl počas prehliadky vtedajšej sovietskej Ermitáže a napísal hudobnú operu Márnotratný syn.

„Žena držiaca plod“, Paul Gauguin

Hodnotenie: 4.7

Obraz sa nazýva aj „Eu haere ia oe“, čo znamená „Kam ideš??“a je to v podstate fráza, ktorou sa Tahiťania navzájom zdravili. Gauguin ju napísal počas svojho pobytu v Polynézii, kam prišiel hľadať inšpiráciu a harmóniu s prírodou. Exotická vegetácia plná pestrých farieb, ostrovný život a jedinečná kultúra na vás urobili veľký dojem. Umelca však fascinovali najmä tahitské ženy, ktoré sa od európskych žien výrazne líšili svojou jednoduchosťou a primitívnym pôvabom. Jedna takáto domorodá žena je zobrazená v popredí obrazu so zelenkavým plodom v rukách (pravdepodobne slúžiacim ako nádoba na vodu). Ďalší dvaja sedia pri chatrčiach, zatiaľ čo ďalší ich pozoruje z diaľky a v náručí drží dieťa. Je to obyčajná epizóda z každodenného života ostrovanov, v ktorej však Gauguin vidí prirodzený rytmus prírody.

Túžba reprodukovať krásu exotických a civilizáciou zväčša nedotknutých krajín viedla k odklonu od takmer všetkých tradícií a pravidiel tradičného maliarstva. Kiplingov individuálny štýl zahŕňal zovšeobecnenie, vyjadrenie formy a svetla s minimom prostriedkov. Živá paleta farieb na obraze odhaľuje atmosféru horúceho tropického dňa. A pokojné, uvoľnené pózy ľudí a listové vzory na ich odevoch symbolizujú duchovnú príbuznosť s prostredím, v ktorom žijú.

„Kompozícia VI“, Wassily Kandinsky

Hodnotenie: 4.7

Kandinskij bol jedným z prvých abstrakcionistov na svete. Prínos ruského umelca k rozvoju tejto línie maľby je taký veľký, že jeho dielu bola v Ermitáži vyčlenená samostatná miestnosť. „Kompozícia VI“ vytvorená v roku 1913 je jedným z najzaujímavejších diel, jasné farby a rozsiahle voľné ťahy nemôžu lepšie odrážať dynamiku búrlivého začiatku novej éry v umení dvadsiateho storočia. Koncept obrazu vznikol po tom, čo namaľoval skicu na tému biblickej potopy sveta. Následne sa však Wassily rozhodol upustiť od myšlienky viazanosti na konkrétnu udalosť a ponechal na divákovi, aby si význam aj emocionálnu zložku interpretoval sám.

Bezobjektový svet obrazu sa javí ako rytmické striedanie kriviek, línií a farebných škvŕn. Podľa samotného umelca sú na plátne dve kompozičné centrá: ružové vľavo, okolo ktorého sa penia modré „vlny“, a červeno-modré s hrubými ostrými líniami. Striedanie drsných a hladkých častí plátna, ako aj vyvažovanie vzájomne protichodných prvkov spôsobilo, že abstraktný námet sa stal zdravým.

„Dáma v modrom, Thomas Gainsborough

Hodnotenie: 4.7

Obraz je považovaný za najhodnotnejší zo zbierky anglických obrazov v Ermitáži. Napriek Gainsboroughovej fascinácii krajinárskymi témami sa preslávil predovšetkým svojimi sofistikovanými romantickými portrétmi. Všeobecne sa predpokladá, že obraz zobrazuje vojvodkyňu Elizabeth Beaufortovú, dcéru admirála Boscawena. Umelcovou hlavnou zvláštnosťou bolo, že sa snažil vyjadriť nielen krásu, ale aj náladu a osobnosť modelu, aby bol obraz čo najživší. Jeho dielam chýba prvoplánovosť barokového obdobia. Tento obraz sa vyznačuje harmonickou farebnosťou, ktorá kombinuje odtiene modrej a sivej. Je namaľovaný ľahkými, hustými a širokými ťahmi štetca, ktoré sú niekedy také tenké, že cez ne presvitá látka plátna.

Osobitnú pozornosť upúta vysoká a zložitá stavba parochne, ktorá zaberá značnú časť kompozície – autor tento obľúbený prvok ženského obrazu v 18. storočí nakreslil s maximálnou starostlivosťou. Módny klobúk s pštrosím perím a používanie bieleho púdru na matovanie krku ramien a dokonca aj hrude, keďže bledá pleť sa považovala za neodmysliteľný atribút aristokracie.

„Most Waterloo. Efekt hmly, Claude Monet

Hodnotenie: 4.6

Francúzsky maliar Claude Monet bol jedným z priekopníkov mimoriadne populárnej impresionistickej maliarskej školy 20. storočia. Počas pobytu v hoteli Savoy s výhľadom na Temžu začal Monet vytvárať cyklus obrazov na tému londýnskeho mosta Waterloo. Monet bol experimentátor a avantgardný maliar, ktorý často skúmal možnosti atmosférických stavov prostredníctvom farieb. A samozrejme si nenechal ujsť príležitosť zachytiť slávnu hmlu, ktorá zahalila hlavné mesto Spojeného kráľovstva. Dielo, ktoré začal tvoriť v Londýne, dokončil umelec vo svojom francúzskom ateliéri po pamäti, pričom doň neprenášal ani tak obrysy mesta a rieky, ako skôr svoje vlastné pocity z krajiny, ktorú si obľúbil.

Na obraz Clauda Moneta sa najlepšie pozerá z diaľky – vtedy sa zdanlivo náhodný kaleidoskop ťahov štetcom zázračne premení na most a jasne sa ukážu vody Temže víriace v hmle, továrenské komíny a siluety plávajúcich lodí. Farebnej palete dominuje lila a odtiene modrej, ktoré odrážajú melancholickú, hmlistú atmosféru Londýna.

„Portrét herečky Jeanne Samarie, Pierre-Auguste Renoir

Hodnotenie: 4.5

Ženské portréty boli podstatnou súčasťou Renoirovej tvorby. Všeobecne známa je jeho séria obrazov s herečkou Jeanne Samarie, ktorá žila neďaleko umelca a ochotne mu prišla pózovať. Celkovo vznikli štyri portréty, ktoré sa od seba líšia kompozíciou a farbou. Obraz sa považuje za jeden z najimpresionistickejších Renoirových obrazov. Vyznačuje sa voľným štýlom na hranici nedbalosti, ktorý modelu dodáva sviežu, mladistvú a nespútanú ženskosť. Umelec zmiernil Jeannin vzhľad, aby zobrazil jej vnútorný šarm a lásku k životu.

Po tom, čo bol obraz vystavený na tretej výstave impresionistov, vyvolal veľký rozruch a väčšina divákov ho skôr kritizovala. A niet divu, veď na konci 19. storočia bolo dekoratívne, romantické maliarstvo stále žiadané a impresionizmus bol len začínajúcim hnutím. Okrem toho sa kombinácia zelených šiat na ružovom pozadí považovala za nevhodnú. V úzkom kruhu znalcov sa však umelcova odvaha riadiť sa vlastným cítením a nie tradíciou stretla s pozitívnym prijatím.

„Lutetista“ od Michelangela Merisiho da Caravaggio

Hodnotenie: 4.5

„Lutnista“ je jedno z prvých Caravaggiových diel, ktoré vzniklo koncom 16. storočia na objednávku kardinála Francesca del Monte, mecenáša jeho umenia. Na obraze je zobrazený mladý muž sediaci za stolom, ktorý sa sprevádza na lutne. Pre jeho jemné androgýnne črty ho dlhé roky mylne považovali za dievča; plátno bolo dokonca vystavené v múzeu pod názvom „Dievča s lutnou“. Podľa mnohých historikov umenia hlavnú postavu namaľoval Mario Minniti, mladý sicílsky umelec. Nepriamym dôkazom, že Caravaggio namaľoval práve tohto mladíka, je otvorený zošit na basový part Jacoba Arcadelta „Voi sapete ch’io vi amo“ (Vieš, že ťa milujem), ktorý bol v tých rokoch populárny. Žena by si takúto melódiu nevybrala, nehovoriac o tom, že lutna je tradične považovaná za mužský nástroj.

Majstrovstvo tieňa bolo charakteristickou črtou jeho štýlu a táto kompozícia odhaľuje jeho obľúbenú techniku – vyvedenie kompozície z šera pomocou jediného zdroja svetla. Všetky objekty odrážajú svetlo, ktoré na ne dopadá, v presnom súlade s fyzikálnymi zákonmi. Táto autenticita bola pravdepodobne výsledkom Caravaggiovho dôverného vzťahu s významnými vedcami, vrátane Galilea Galileiho a Giovanniho Batistu della Porta, autora vedeckej práce o refrakcii. Podľa rozšíreného názoru sémantický význam obrazu spočíva v tom, že súčasne chváli harmóniu života a smútok nad jeho pominuteľnosťou. Autor namaľoval ďalšie dve verzie tohto diela, jedna sa teraz nachádza v Metropolitnom múzeu v New Yorku, druhá v britskej rezidencii Badminton House.

„Danaë, Titian Vechellio

Hodnotenie: 4.5

Tizián, benátsky umelec vrcholnej renesancie, sa vo svojich dielach opakovane venoval témam antickej mytológie. Pre španielskeho kráľa namaľoval Danaë. Jeho dej je založený na starogréckej legende o dcére Akrisia, kráľa Argosu. Keď kráľ počuje veštbu dvornej veštiarne o smrti vlastného vnuka, uväzní svoju jedinú dcéru v nedobytnej veži, kam sa nedostane žiadny smrteľník. Ale mocný boh Zeus, očarený jej krásou, dokázal preniknúť k Danaé v podobe zlatého dažďa. Z tohto spojenia sa zrodil poloboh a antický hrdina Perzeus.

Umelec zobrazuje Danaë pokojnú a majestátnu; prijíma lásku nebeského bez rozruchu či dokonca prekvapenia. Tvár dievčaťa je čiastočne zatienená, ale krivky jej tela sa naopak kúpu v mäkkom zlatistom svetle. Tento Tizianov obraz je akýmsi hymnom zmyselnosti a ženskej krásy. Sám maliar ju nazval básňou na plátne.

„Madona z Benoitu“, Leonardo da Vinci

Hodnotenie: 4.5

Obraz, známy aj ako Madona s kvetom, nesie meno po posledných majiteľoch, ruskej dynastii umelcov a zberateľov Benoisovcov. Taliansky geniálny maliar namaľoval toto dielo ako 26-ročný, keď už mal za sebou štúdium u Andrea Verrocchia. Téma Madony bola v umení žiadaná dávno pred Leonardom, ale on dokázal vdýchnuť nový život bežnej biblickej téme. Odmietajúc idealistický a majestátny, ale neživotný vzhľad, umelec ukazuje svetu pozemskú Madonu pohltenú radosťou z materstva. Jej mladú tvár zdobí úsmev, ktorý sa predtým na obraze Kristovej matky považoval za nevhodný. Mária podáva svojmu synovi kvet ukrižovania. Napriek náboženskému významu je to však predovšetkým príbeh o šťastnom rodinnom živote a túžbe spoznávať svet.

Kompozícia plátna obsahuje dva zdroje svetla. Jedným z nich je malé okno za Madonou, ale hlavné svetlo prichádza zhora vľavo. Umelec ho využíva na „zachytenie“ postáv z tieňov a dodáva im objem prostredníctvom vynikajúcej hry svetla a tieňa. maľované olejovou farbou, výsledkom je detailné a realistické zobrazenie drobností textúry. Technika olejomaľby bola v Taliansku koncom 15. storočia novinkou a da Vinci ju ako jeden z prvých použil vo svojich dielach.