12 najkrajších obrazov Clauda Moneta

Znalec živej prírody, slávny tvorca nového, neuveriteľne populárneho prúdu v maľbe – impresionizmu – Claude Monet je dnes kritikmi považovaný za symbol svojej doby. Kto by si bol pomyslel, že tento malý karikaturista bude mať neskôr silný vplyv na umelcov po celom svete a vytvorí plejádu vynikajúcich obrazov s jedinečnou, neuveriteľne živou farebnosťou, ktorá v čase neznámeho autora fám o jeho šialenstve. Tu sú niektoré z najlepších obrazov veľkého majstra – najznámejšie diela francúzskeho impresionistického maliara.

Stopy veľkého impresionistu: 12 najlepších diel francúzskeho génia Clauda Moneta

Nominácia	sedadlo	Práca	hodnotenie
Prehľad najlepších obrazov Clauda Moneta	1	„San Giorgio Maggiore za súmraku“, 1908-1912	5.0
2	„Dáma v zelených šatách“ (Camille), 1866	4.9
3	„Chôdza. Dáma s dáždnikom, 1875	4.9
4	Séria The Haystacks, 1890-1891	4.8
5	Séria o katedrále v Rouene, 1892-1893	4.7
6	Séria „Vodné ľalie“, 1896-1926	4.7
7	Séria „Stanica St. Lazare“, 1872-1877	4.6
8	„Dámy v záhrade“, 1866	4.5
9	„Dojem. Vychádzajúce slnko“, 1872	4.5
10	„Raňajky na tráve, 1866	4.5
11	„Budova parlamentu pri západe slnka“, 1900-1901	4.5
12	„Most Waterloo v zamračený deň, 1904	4.4

„San Giorgio Maggiore za súmraku“, 1908-1912

Hodnotenie: 5.0

Jeden z najznámejších a najvýznamnejších obrazov v diele veľkého impresionistu. V motíve prevládajú oranžové odtiene, s ktorými si umelec spája úpadok talianskeho mesta. Na farebnom pozadí vyniká benátska katedrála a voda.

Sám majster poznamenal, že maľba súmračného mesta vznikla pre neho nezvyčajným spôsobom: myšlienka plátna bola tak pôsobivo krásna a očarujúca, že umelec pracoval horúčkovito, doslova šliapal na päty slnku, ktoré sa blížilo k západu a jeho vodnej žiari. Monetovo použitie dramatických farebných kontrastov dodalo obrazu väčšiu hĺbku a živosť.

Keďže nápad bol inšpirovaný takmer okamihom, Monet použil techniku krátkych ťahov a rýchleho vyplnenia plátna pastou. Týmto spôsobom sa mu podarilo okamžite zachytiť farebný moment a presne vyjadriť hru svetla. Hlavným cieľom autorových diel nebolo odovzdať divákovi morálne posolstvo alebo hlboký zmysel, ale vytvoriť zmyslový dojem, vzbudiť príjemný pocit, dojem, a nie nadarmo bol Monet jedným z najjasnejších predstaviteľov impresionizmu.

„Dáma v zelených šatách“ (Camille), 1866

Hodnotenie: 4.9

Portrét zobrazuje manželku veľkého impresionistu Camilla Donciera v čase, keď ešte nebola manželkou, ba ani nevestou. Claude a Camille sa práve zoznámili a po jednom takomto stretnutí sa Monet rozhodol zachytiť na plátne intenzívny cit, ktorý medzi mladými ľuďmi vznikol. V obraze Dáma v zelených šatách maliar zachytil úctivý moment, keď sa dievča stojace prakticky pri východe otočí.

Monet sústredil všetku svoju zručnosť na samotnú Camillu, starostlivo vykreslil jej tvár, krivku krku, výraz tváre, dokonca aj najmenší pohyb jej ruky a s láskou sledoval jej šaty a kabát. Obrázok nemá vzdušnosť ani nič éterické. Autor sa snažil zobraziť dievča reálne, živo. Monet nepotreboval referenčný ideál: šaty vyzerajú ťažké, zdá sa, že sa vlečú po podlahe – čo naznačuje, že sú vyrobené z ťažkej látky.

Monet namaľoval to, čo videl a miloval celým svojím srdcom (napriek ich krátkej známosti sa umelec do dievčaťa vášnivo a vrúcne zamiloval), bez príkras a komplikácií, ktoré by Camille len urazili. Obraz pôsobí neuveriteľne živo a hlboko: cítiť vášeň a strach mladého milenca.

„Prechádzka. Dáma s dáždnikom“, 1875

Hodnotenie: 4.9

Považuje sa za začiatok cyklu, ktorého prvý a najvýznamnejší diel vznikol v roku 1875. Modelom pre portrét bola umelcova prvá manželka Camilla. Toto dielo sa považuje za najväčšie z jeho tvorivého obdobia v 70. rokoch 19. storočia. Obraz zobrazuje Camille a jej syna v divočine neďaleko Colombe a Genivier.

Madam Monetová stojí napoly bokom, akoby zrazu zistila, že divák. Jej šaty sa zachytili vo vetre. Postava je mierne posunutá doprava, čo kompenzuje naklonený slnečník, v ktorého kupole sa odráža jasná lúčna zeleň. O kúsok ďalej, viditeľný len vo výške pása, stojí Monetov syn, ktorý akoby sa pozorne díval na diváka.

Maľované in situ v plenéri, pravdepodobne počas jedného sedenia. V období tvorby plátna začína v umelcovej tvorbe postupne dominovať dôkladné vypracovanie postáv, ktoré vytláčajú krajiny. Napriek tomu veľký impresionista nikdy nezabudol preniesť na diváka prchavé slnečné svetlo, vďaka ktorému obraz vyzerá ako živý.

Za osobitý vrchol obrazu možno považovať umiestnenie ženskej postavy na plátne a nízku líniu horizontu, ktorá mu dodáva celkovo monumentálny vzhľad, čo je pre francúzskeho impresionistu dosť nezvyčajné podanie.

Séria The Haystacks, 1890-1891

Hodnotenie: 4.8

Monet veril, že krajina by sa mala maľovať tak, že sa plne zachová farba, forma a nálada prostredia, čo „vedie k osobnému, naivnému videniu situácie, na ktorú sa pozeráme“. Monet nebol prvým maliarom, ktorý sa pokúsil zobraziť vidiecku krajinu na plátne, pričom jeho obľúbeným námetom boli stohy sena. Van Gogh, Pissarro, Gauguin a ďalší veľkí maliari už na túto tému maľovali.

Monet sa však vo svojej tvorbe vyznačoval dvoma priekopníckymi prvkami: spôsobom videnia svetla a vytvorením série obrazov. Vďaka usilovnej práci a talentu maliara môžeme dnes uvažovať o rozmanitosti toho istého motívu v závislosti od dennej doby a meniaceho sa svetla.

Monet chcel podľa vlastných slov svojimi Sennými kopami ukázať plynutie času. Sťažoval sa, že v lete, keď maľoval, slnko zapadalo tak rýchlo, že umelec s ním nedokázal držať krok a stále hľadal prchavú zmenu svetla.

V roku 1888 Monet vytvoril niekoľko štúdií senníkov v blízkosti Giverny. K tej istej téme sa vracia o rok neskôr, keď sa začína žatva (letná žatva a zber úrody). Celé mesiace usilovne maľoval polia zaliate letným slnkom, na jeseň žiarivo červené a v zime husto pokryté snehom.

Leto roku 1890, keď sa umelec ponoril do prípadu „Olympia“ a túžil obraz vykúpiť od Manetovej vdovy a odovzdať ho Louvru, bolo zamračené a husto pršalo. Preto musel upravovať plátna, ktoré začal v ateliéri, a fantazíroval o farebnosti a jedinečnosti oblohy. 15 obrazov zo série, ktoré boli prvýkrát vystavené v Durand-Ruel, malo obrovský úspech a napriek vysokej cene sa vypredali.

Séria katedrály v Rouene, 1892-1893

Hodnotenie: 4.7

Ďalšia séria obrazov veľkého impresionistu, tentoraz v centre diania – veľkolepá gotická katedrála v Rouene. Pri tvorbe tejto série Monet býval v blízkosti katedrály a maľoval od skorého rána do neskorej noci. Umelec bol neuveriteľne fascinovaný hrou svetla na chladnom kameni a snažil sa preniesť tento úžasný kontrast na plátno.

Celá Monetova pozornosť sa nesústredila na celú budovu, ale na jej samostatnú časť – dve veže: Martin a Alban. V impresionistickom pohľade vyzerali prvky katedrály ako portál a každá maľba zobrazovala túto stranu budovy. Ako umelec postupoval vo svojej práci, postupne nanášal na plátno väčšiu vrstvu farby v snahe zdôrazniť niektoré detaily a dodať obrazu vlastné svetlo.

Často sa pracovalo rýchlo, ale sám Monet sa na to sťažoval, že to sťažuje prácu a neprenáša jeho víziu na plátno. Maliara občas trápili nočné mory, v ktorých na neho katedrála padala alebo zradne menila farbu.

Publikum videlo majstrovské diela francúzskych impresionistov až v roku 1895, a hoci kritika bola rozpoltená, mnohí umelci (vrátane cudzincov) zmenili svoj pohľad na svet. Takmer okamžite bolo 8 obrazov zo série predaných rôznym zberateľom. Zvyšok napriek pomerne vysokej cene (okolo 15 000 frankov) zakúpilo niekoľko ďalších znalcov impresionizmu.

Séria „Lekná“, 1896-1926

Hodnotenie: 4.7

Obrovská séria pozostáva z takmer 250 obrazov, z ktorých každý je olejomaľba. Niektoré z obrazov možno smelo označiť za monumentálne, a to nielen pre ich impozantnú veľkosť, ale aj pre brilantne vykreslené farby. Pre pohodlie svojej práce si umelec postavil nový ateliér so špeciálnym osvetlením.

Je pozoruhodné, že v procese práce bol Monet tak nadšený a ohromený výsledkom, že sa nechcel rozlúčiť so žiadnym z obrazov série „lekná“, vytvorených takmer 30 rokov tvrdej práce. Tieto plátna sa začali objavovať v múzeách a súkromných zbierkach až po smrti impresionistov.

Monet bol veľmi hrdý na to, že si kúpil vlastné sídlo (v Giverny), kde vytvoril bujnú kvetinovú záhradu. Obrazy v sérii zobrazujú lekná rastúce v umelcovej vlastnej záhrade. Mimochodom, mnohé plátna vznikli v čase, keď maliar už trpel šedým zákalom. To mu však možno pomohlo odkloniť sa od tradičného vnímania farieb a vytvoriť fascinujúcu hru farieb a odtieňov.

Obrazy zo série „Lekná“ možno vidieť v mnohých múzeách na svete: v Paríži, New Yorku, Walese, Oregone atď. Aukčný dom Christie’s označuje Monetove „Lekná“ za jedno z najuznávanejších a najvýznamnejších diel 20. storočia, ktoré malo hlboký vplyv na impresionistických a modernistických maliarov na celom svete.

Séria St Lazare Station, 1872-1877

Hodnotenie: 4.6

V roku 1872 sa Claude Monet vydal smerom k St Lazare a oznámil, že sa chystá namaľovať sériu obrazov. Umelec považoval staničnú budovu za jednu z najpôsobivejších v tom čase a chcel vyjadriť svoje pocity z obdobia technického pokroku, pričom sa odklonil od krajinárskej tematiky.

Keďže Monet maľoval zo života, zamestnanci železničnej stanice sa starali o to, aby St Lazare vyzeral rovnako dobre ako on – stanica bola neustále čistená a dokonca aj lokomotívy boli natreté, zatiaľ čo strojníci usilovne pracovali, aby rozptýlili všetku paru, ktorú mohli. Francúzskeho génia doslova uchvátila luxusná panoráma, a tak namaľoval až 12 obrazov, ktoré zobrazovali stanicu nielen z rôznych uhlov, ale aj za rôzneho počasia a v rôznych denných dobách. Táto séria bola prvou v maliarovej tvorbe; čoskoro budú nasledovať „Stohy“ a „Lekná“.

Séria St. Lazare Station, ktorá bola prvýkrát vystavená v roku 1877, zaznamenala obrovský úspech. Slávny francúzsky spisovateľ Emile Zola neskôr povedal, že práve atmosféra zachytená na Monetových plátnach ho inšpirovala k napísaniu románu „Zvierací muž“ venovaného francúzskej železnici.

„Dámy v záhrade, 1866

Hodnotenie: 4.5

Obraz bol pre súčasného diváka považovaný za veľmi nezvyčajný. Monet chcel dať jasne najavo, že bude maľovať len tak, ako ho k tomu vedie inšpirácia a inštinkt, bez ohľadu na akademické tradície. Francúzsky krajinár Gustave Courbet, ktorý bol v tom čase častým Monetovým návštevníkom, bol ohromený nielen maliarskou víziou, ale aj rozsahom plátna. Kvôli obrovským rozmerom (255×205 cm) bolo plátno neuveriteľne objemné a umelec ho musel spustiť do špeciálnej jamy pomocou kladkostroja, keď začal maľovať hornú časť plátna.

Impresionista chcel zachytiť hru svetla a tieňa s maximálnou precíznosťou a prepracovať aj tie najmenšie detaily objektu. Zároveň jeho postavy dostali sekundárnu úlohu. Ženy zobrazené na plátne vyzerajú štylizovane a ich tváre sú ťažko viditeľné: jedna dáma stojí napoly otočená, druhá napoly chrbtom, tretia sa skrýva za kyticou kvetov. Umelec tým dáva jasne najavo, že pre neho nie je dôležitejšia individuálna osoba, ale interakcia jednotlivca s vonkajším svetom.

Napriek zdanlivému tradicionalizmu bola maľba skutočne inovatívna: početné polovičné zákruty, orezané okraje šiat – to všetko by akademický maliar nedokázal. Obraz „Dámy v záhrade“ bol namaľovaný v ťažkom finančnom období pre Moneta, takže práca išla ťažko. Práve tento obraz plánoval vystaviť na Parížskom salóne, jednej z najprestížnejších francúzskych umeleckých výstav, ale porota dielo nepustila ďalej. Keď sa však Monet stal slávnym, obraz Dámy v záhrade kúpila francúzska vláda za neuveriteľných 200 000 frankov.

„Dojem. Vychádzajúce slnko, 1872

Hodnotenie: 4.5

Keď zakladateľ impresionizmu maľoval svoje diela, veril, že je to ďalšia najlepšia vec, ak sa mu ich nepodarí predať. Ale to bolo s ním, v skutočnosti, a začal zrod nového smeru v maľbe. V roku 1874 bola tvorba spolu s dielami kolegov, „bratov v duchu“ v práci prezentovaná na samostatnej výstave. Snahu mladých talentov však neocenili všetci.

Po návšteve výstavy tak novinár Louis Leroy napísal kritický článok s názvom „Výstava impresionistov“, v ktorom si z umelcov uťahoval a vlastne povedal, že takéto „výtvory“ robia z akademických maliarov bláznov a dal vtedy neznámym mladým ľuďom urážlivú prezývku „impresionisti“. V tom čase si určite nemohol predstaviť, že umelci nakoniec na protest prijmú túto prezývku, ktorá sa stane bežným podstatným menom a jedným z najznámejších umeleckých hnutí na svete.

V časti Dojmy. Vychádzajúce slnko“ Monet venoval osobitnú pozornosť (ako vždy) farebnému podaniu, pričom použil minimum tónov, ale vytvoril neuveriteľne živú, realistickú krajinu. Základné tóny – modrasté: celé plátno akoby bolo presiaknuté pocitom chladného, sychravého rána.

Umelec dokázal veľmi presne vystihnúť náladu prístavu: takto ho videli miestni obyvatelia – pochmúrny, s odrazmi slnka na vode, s oblohou prelievajúcou sa do oceánu, kde bolo možné matne rozoznať siluety lodí.

„Raňajky na tráve, 1866

Hodnotenie: 4.5

Nedocenený obraz svojej doby s tragickým osudom, ktorý sa stal skutočným symbolom svojej doby. Práca na plátne sa začala v roku 1865, inšpirovaná škandalózne známym rovnomenným obrazom Édouarda Maneta, ktorý mal trochu frivolný obsah. Okrem rovnakého názvu a možno lesnej krajiny však obrazy nemajú absolútne nič spoločné.

Za vznikom skutočne titanského diela, pretože obraz mal obrovské rozmery – 400×600 cm. A práca s takým obrovským plátnom si vyžaduje veľkú zručnosť, schopnosť vycítiť a správne vytvoriť kompozíciu, farby, rozmiestnenie postáv atď.

Umelec začal pracovať na vopred vybranom mieste v lese Fontainebleau. Ako vzor mu slúžila jeho manželka Camille a jeho priateľ, „remeselník“ Frédéric Basil. Monet najprv namaľoval les v plenéri, potom nakreslil postavy v ateliéri a potom sa opäť vydal s modelmi maľovať štúdie zo života. Potom umelec všetky prvky spojil vo svojom ateliéri.

Na plátne je zobrazený chladný letný alebo jarný deň. Cez husté a bujné lístie stromov presvitá jasne modrá obloha. Slabé lúče slnečného svetla prechádzajú. Za krajinou odpočíva skupinka mužov a žien, niektorí sa rozprávajú, iní chrumkajú, ďalší sa rozvaľujú na tráve. Človek cíti veselosť, sviežosť lesa, ľahkosť.

Monet pôvodne namaľoval Raňajky na tráve, aby ich predstavil na parížskom salóne, ale nemal čas, a preto takmer bez časového odstupu namaľoval Dámu v zelených šatách, ktorá sa stretla s uznaním kritiky. Keďže maliar bol v ťažkej finančnej situácii, nechal nedokončenú maľbu ako zálohu svojmu majiteľovi a rozhodol sa nepúšťať do väčších prác, ktoré ho pripravovali o všetky peniaze a spôsobovali mu problémy.

Majiteľ však majstrovské dielo neopatrne skladoval a časť plátna jednoducho zhnila z dlhého pobytu vo vlhkej pivnici. O sedem rokov neskôr Monet plátno kúpil a rozrezal ho na tri časti, pričom ponechal len dve (jedna bola úplne nepoužiteľná). Dnes kritici považujú obraz za umelcov debut vo vtedy novom štýle, skutočnú vlajkovú loď blížiacej sa revolúcie v umení.

„Budova parlamentu pri západe slnka, 1900-1901

Hodnotenie: 4.5

V roku 1900 sa Paul Durand-Ruel, neochvejný stúpenec impresionizmu, tešil na návrat Clauda Moneta z britského hlavného mesta. Mal priniesť pohľady na most cez Temžu a parlament, ktoré vytvoril počas svojho pobytu v Londýne. Umelec priniesol dielo späť, ale nebol spokojný s náčrtmi, preto sa vrátil o rok neskôr, aby maľby vylepšil, a o ďalší rok neskôr.

Durand-Ruel dostal dokončenú londýnsku sériu až v roku 1904, ale čakanie sa oplatilo: o týždeň neskôr sa obraz Domy parlamentu za súmraku predal za peknú sumu. Obraz sa odvtedy dostal do mnohých súkromných zbierok v Le Havre, Paríži, New Yorku a dokonca aj v Japonsku. V roku 2015 bolo plátno predané za 40 miliónov. dolárov.

Počas svojho cyklu Monet lamentoval nad nestálosťou londýnskeho počasia: „Stále sa mení kvôli mrakom a silnému vetru… privádza ma to do šialenstva.“. Prírodné stavy a jedinečné okamihy slnečného svitu sa striedajú s obrovskou rýchlosťou, ale je neoceniteľné, že sa ich Monetovi podarilo zachytiť na plátne. Na tomto obraze je obzvlášť fascinujúci nezvyčajný, dokonca odvážny efekt – jasná červená žiara, ktorá sa prediera cez husté mraky.

„Most Waterloo v zamračený deň“, 1904

Hodnotenie: 4.4

Ďalšie dielo z Monetovho londýnskeho cyklu tiež dlho zostávalo na výstavách. Napríklad tento neuveriteľný pohľad na most pri Waterloo kúpil vášnivý milovník maľby, Slovenská zberateľ Michail Rjabušinskij. V čase revolúcie v Slovenskom impériu mal 37 rokov. Časť zbierky ukryl, časť dal do úschovy Tretiakovskej galérii a potom emigroval do Británie. Do galérie ho však priniesli skutoční obchodníci so starožitnosťami, manželia Wildensteinovci. Obraz odvtedy vystriedal niekoľko majiteľov, z ktorých každý bol výnimočnou osobnosťou.

Claude Monet prišiel do britského hlavného mesta po prvýkrát so svojou manželkou navštíviť syna a hneď vedel, že sa sem ešte vráti. Veľký impresionista bol ohromený farebnosťou mesta a s dôverou sa pustil do tvorby plátien s miestnou krajinou. Obdivoval poéziu niektorých londýnskych miest, ale počasie ho privádzalo do šialenstva, mnohokrát komplikovalo pracovný proces a zároveň ho robilo neuveriteľne vzrušujúcim.

Po návrate z Londýna si Monet so sebou priniesol osem kufrov s plátnami (!) a žiadna z nich nebola dokončená. Umelec strávil niekoľko ďalších rokov zdokonaľovaním obrazov a nedovolil, aby sa predávali. Až keď boli všetky plátna dokončené, mohli byť predstavené ohromenej verejnosti, obdivovateľom impresionizmu aj kritikom.